FANT 2019 1

Lituania, 1673. Un enclave de judíos ortodoxos enfrenta su destrucción cuando los habitantes de una aldea cercana, asediada por la peste, les exigen salvar a una joven a cambio de no arrasar el enclave. Una mujer convoca fuerzas oscuras para traer un golem que salve a su pueblo.

Aunque JeruZalem no era precisamente memorable, hay que destacar la capacidad de los Paz Brothers – Yoav y Doron – para dar una cinta de Found Footage que tardaba en arrancar pero, una vez se ponía en marcha, ofrecía buenos momentos y un plano final que dejaba gran sabor de boca. En su siguiente proyecto, con guion de Ari Cohen, los hermanos Paz no terminan de arrancar una cinta que va a medio gas.

Tal vez sea la historia o el personaje central, Hani Furstenberg, que no termina de focalizarse: vale que los gentiles son como bárbaros, además de ir llenos de suciedad de los pies a la cabeza como buenos malos de la función, pero ¿Qué aporta el interesante prologo, posiblemente las mejores imágenes de la película? ¿Por que el personaje de Hanna sabe tanto? ¿Cuáles son los motivos de sus cambios de parecer a lo largo de la historia?

The Golem mezcla buenos momentos y buenas imágenes con parones innecesarios y un trabajo de cámara que parece sacado de otra película, la sensación al terminar de verla es que se queda en la superficie de algo que podría haber sido interesante y/o entretenido.

Kathy y Lizzy, madre e hija, circulan por una carretera solitaria cuando un accidente les obliga a detenerse; solas, bajo la lluvia y a la espera de ayuda, tendrán que enfrentarse a un monstruo que acecha entre las sombras del bosque.

En demasiadas ocasiones, las intenciones y los resultados son diametralmente opuestos: la idea de Bryan Bertino, director y guionista, era que las protagonistas no solo tuvieran que enfrentarse al monstruo que espera en el exterior del coche, sino también a sus propios demonios en las relaciones madre alcohólica/hija traumatizada. Vale, estas son las intenciones y ¿los resultados?

The Monster es una cinta que se hace eterna, y no es culpa del muy solvente trabajo de Zoe Kazan y Ella Ballentine, sino a que la historia está demasiado estirada y el espectador termina por cansarse; por el camino una serie de flashbacks, que dan la impresión de estar metidos para alargar metraje más que para hacer avanzar la historia, que solo en sus momentos finales alcanza una emotividad realista de la que se hubiera beneficiado The Monster si Bertino hubiera logrado este nivel desde el principio.

Q, The Winged Serpent (1982)

 

 

Una ola de misteriosos asesinatos y desapariciones recorre la ciudad de
Nueva York, la policía intenta encontrar cualquier pista que descubra la
identidad del asesino y solo Jimmy Quinn, un ratero de poca monta, sabe que las
respuestas están en lo alto de un edificio.

Tras ser despedido de la cinta I, The Jury, Larry Cohen decidió utilizar la habitación
que dispuso para él la productora y escribió en seis días esta locura de Q,
donde es capaz de tomar los mitos aztecas y llevarla a Nueva York. ¿El
resultado? una cinta entretenidísima, al que hay que disculpar algunas tomas
exteriores y unos efectos especiales de stop motion que pueden dañar la retina,
que es capaz de revitalizar el género de monstruos y cuya batalla final en lo
alto del edificio Chrisler recuerda, sin sonrojo, a la película King Kong de
1933.

Los protagonistas, David Carradine y Michael Moriarty, son dos antihéroes
colocados a ambos lados de la ley que, sin embargo, están condenados a
entenderse.

Directa y sin tapujos, con un punto de vista subjetivo del monstruo que nos
lleva al Jaws de Steven Spielberg y que ya utilizara en las cintas de It’s Alive, Q The Winged Serpent es una dinámica cinta que merece ser reivindicada.

 

Bernard Herrmann/Laurie Johnson. It Lives Again. Main Title. 1978

Tristemente, Larry Cohen no pudo contar con Bernard Herrmann para la continuación de la historia de los bebes monstruosos.

El ingles Laurie Johnson, afamado compositor y arreglista con una solida carrera a sus espaldas, fue el encargado de tomar las notas de Herrmann y adaptarlas a esta nueva entrega; es un trabajo continuista, que añade ciertos componentes electrónicos, muy de la época, pero no hay muchas variaciones ya sea debido a indicaciones de Cohen o por motu propio de Laurie Johnson.

It Lives Again (1978)

Ha pasado el tiempo y el camino de Frank Davies le lleva ante la pareja formada por Eugene y Jody Scott: su hijo nacerá con malformaciones y el gobierno de Estados Unidos tiene un plan para asesinarlo. El tiempo juega en contra mientras unos y otros buscan la manera de proteger o eliminar al nonato.

Larry Cohen es capaz de tomar su concepto y llevarlo un paso más allá, lo apuntado al final de It’s Alive se ha convertido en una realidad y cada vez nacen más niños «salvajes», al convertirlo en una historia darwinista ya que los grupos enfrentados esgrimen diferentes puntos de vista: ¿Es una evolución natural ante un planeta cada vez más contaminado o, por el contrario, es una mutación errónea?

Con un poco más de presupuesto, Cohen hace que It Lives Again resulte dinámica y disfrutable que It’s Alive, no solo por la variedad de localizaciones sino porque Rick Baker pudo mejorar sus diseños y, por ello, los «monstruos» resultan menos amateurs que en la primera cinta; los mayores peros de esta película son el escaso interés de Cohen por los extras, ya que si uno presta atención a los momentos de grupo verá reírse a alguno, y que no tiene reparos en forzar la credibilidad – a veces hasta romperla en pedazos – con tal de hacer avanzar la trama.

It Lives Again es más oscura que su precedente y añade un elemento conspirativo que le viene como anillo al dedo.

Frank Cordell. God Told Me To. Theme. 1976

Aunque los resultados de las cintas de Larry Cohen son irregulares, las composiciones musicales suelen destacar. El primer compositor elegido para este proyecto era Bernard Hermann, que tan buenos resultados dio con It’s Alive; lamentablemente, el compositor falleció la misma noche en que vio el primer montaje de God Told Me To. Larry Cohen tanteó a Miklos Rozsa y este le respondió «God told me no to».

El compositor británico Frank Cordell fue el encargado de la música y su trabajo casa a la perfección con el tono de la cinta: misterioso, desesperanzado, con esos coros de inspiración religiosa que presiden el tema.

Lamentablemente, God Told Me To fue el ultimo trabajo de Cordell, que fallecería en los años ochenta.

Se recomienda no ver el vídeo hasta haber visto la cinta, ya que la destripa de principio a fin.

God Told Me To Do (aka Demon) (1976)

Nueva York. Todo aquel que, sin razón aparente, decide asesinar a sus congéneres acaba contando lo mismo: Dios se lo dijo. La investigación del detective Peter J. Nicholas le llevará a un laberinto sin salida aparente.

Dos años después de It’s Alive, Larry Cohen escribió, produjo y dirigió una cinta que, empezando como una cinta policíaca, va transitando un camino que se enrarece minuto a minuto. Con el rostro seco de Tony LoBianco como elemento central, Cohen juega con la realidad/falsedad de las religiones, gracias a una suerte de personaje mesiánico y su corte de «apóstoles», elemento que apunta pero jamás remata adecuadamente.

Con el tono que ya empezamos a adivinar de Cohen, donde importa más el hacer avanzar la historia que la suspensión de la credibilidad, el director mezcla, a través de varios flashbacks con diferentes texturas, el elemento policíaco y religioso con otro, que no es cuestión de desvelar aquí, pero que obliga al espectador a dar un salto de fe pero, al mismo tiempo, es coherente con los tiempos en que fue realizada God Told Me To. Atención a cierta imagen perturbadora del final, que se adelanta en un año al concepto de la nueva carne de David Cronemberg.

Edward Shearmur. Sky Captain And The World Of Tomorrow. Back To Earth. 2004

Si hacemos un poco de arqueología cinematográfica, podemos encontrar en Sky Captain And The World Of Tomorrow los cimientos de un cine basado en el croma, con los actores moviéndose ante una pantalla de color sobre la que luego se incrusta la imagen. Ahora nos parece normal, pero en su momento fue totalmente novedoso.

Sky Captain fue la primera película retrofuturista (no, no me he inventado esa palabra) desarrollada en un mundo donde las maquinas aun funcionan con vapor, donde los dirigibles “aparcan” en rascacielos, con héroes intachables, robots gigantes voladores, mad doctors, y una Angelina Jolie que llevaba un parche en el ojo, hablaba como una camionera y dirigía un batallón de aviones. Captain… tenía todas las papeletas para ser un pelotazo pero en cambio fue un fracaso monumental y hoy está injustamente olvidada. En foros de internet donde la gente defiende la película, se echa la culpa al gafe de Gwyneth Paltrow en las películas donde es protagonista en vez de secundaria. Puede que un descafeinado Jude Law también pusiera su granito de arena, ahí lo dejo.

Edward Shearmur fue el encargado de la composición musical. De origen Ingles, Shearmur tiene una carrera muy discreta. Puede que el problema principal sea su falta de personalidad musical, ya que a veces suena a Thomas Newman como en K-Pax mientras en Sky Captain… suena a John Williams y así todo el rato. Pero dejando de lado a quien “homenajea” o no, Sky Captain And The World Of Tomorrow es un disco terriblemente divertido cuyas fanfarrias nos transportan a un mundo mucho más imaginativo que el nuestro y del que Back To Earth es un muy buen ejemplo.

It’s Alive (1974)

Ha llegado el feliz momento en que el Frank y Lenore Davies tengan a su segundo hijo, pero el nacimiento se convierte en un infierno cuando el recién nacido se revele como un monstruo.

La primera cinta de corte fantástico de Larry Cohen, montada al mismo tiempo que Hell Up in Harlem, se convierte al mismo tiempo en una franquicia que Cohen retomará con el tiempo. Con ecos a las cintas de monstruos «atómicos» de los años 50, con la sombra de las malformaciones producidas por la Talidomida, It’s Alive es una cinta de bajo presupuesto que en vez de jugar en su contra va a su favor, como esa densa oscuridad que empapa toda la cinta, el aire pseudocumental o escamotear todo lo posible al «bebé», creado por un principiante Rick Baker.

Hay errores en It’s Alive, sobre todo la imposibilidad de creerse a John P. Ryan como un organizador de eventos ya que se comporta como un hampón, pero Cohen estira el tiempo del nacimiento hasta generar anticipación en el espectador y cuando este llega es como un golpe sobre la mesa.

El tercio final contiene algunas de las mejores escenas de la película, como el incidente en el sótano de los protagonistas o, sobre todo, la persecución en las alcantarillas de Los Ángeles, la imagen del coche de policía surgiendo de la oscuridad es impactante.

Buen inicio de una trilogía.

Michael Giacchino. Tomorrowland. Pin-Ultimate Experience. 2015

Desde hace tiempo, aunque el maestro John Williams sigue vivo, el nombre de Michael Giacchino se postuló como su sucesor más inmediato. No pasa un solo año que no ofrezca un trabajo que de fe de ello. En 2015 ya  nos ha regalado Inside Out y este maravilloso score de Tomorrowland con una orquesta repleta de fanfarria, alegría y energía.

Es difícil pensar en este mundo retrofuturista y steampunk que nos ha regalado el director Brad Bird sin el acompañamiento musical de Michael Giacchino. Como muestra este dinámico y espectacular tema, Pin-Ultimate Experience, que nos muestra ese luminoso mundo del mañana y las maravillas que albergan su interior.

Un tour musical y visual apabullante.

Dry Blood

Brian Barnes despierta con un objetivo para ese día: desengancharse de las drogas. Para ello, se pone en marcha a la cabaña que posee en un alejado paraje. A las pocas horas comienza a sentir que no está solo en la casa, ¿son visiones provocadas por la abstinencia o algo real?

Dry Blood, la opera prima de Kelton Jones con guion de Clint Carney, me produce sensaciones encontradas: en ocasiones me interesaba pero en la mayoría del metraje el interés bajaba casi a cero.

Aunque algunos elementos visuales funcionan y, en conjunto, no está mal rodada, el (mal) uso de la banda sonora y una fotografía propia de un telefilm echan por tierra gran parte de los aciertos.

Aunque cierra bien y tanto las visiones como los momentos sobrenaturales son resultones para el ajustado presupuesto, la interpretación de Clint Carney no me convencía, no solo era incapaz de transmitir lo que pasaba por su cabeza sino que a veces parecía que se tomaba todo en broma; Kelton Jones interpreta al policía de montaña que le incordia una y otra vez, y los momentos que comparten tienen y textura de cinta pornográfica gay. El resto de las interpretaciones son bastante flojas.

¿Qué rescatar de Dry Blood? Algunas visiones, el tercio final y, especialmente, el epílogo. El resto es bastante prescindible.