FANT 2017 (6 de 8)

En el jardin de una lujosa casa, dos parejas se reúnen a cenar. Una llamada a la puerta acaba con lo que parecía ser una tensa celebración encubierta; cuando el quinto invitado se siente a la mesa, los secretos saldrán a la luz.

Martín Rosete, con guión de Josep Ciutat, nos presenta una intriga producida en estadounidense.

Money, bien podría ser una obra de teatro ya que se desarrolla en pocos escenarios y apuesta todo al buen hacer de los interpretes, cuyo nivel se mueve entre bien y correcto. Entre todos, destaca Jaime Bamber con el papel más agradecido, su presencia desde el primer plano en el que aparece, eclipsa a sus compañeros y hace gravitar la cámara en torno a él.

Money tiene ritmo, los diálogos son ágiles y su duración se pasa volando, pero una realización apenas sin riesgo, y un final algo previsible no la hace distinguirse de cintas parecidas; ese es su mayor problema: la falta de identidad propia.

Adrián es un actor famoso en cuya casa ocurren extraños sucesos. Sus amigos se lo toman a broma, desconocen que hay algo oscuro alrededor de Adrián, algo que no es de este mundo y no se parará hasta conseguir su objetivo.

Luces y sombras en la cinta de Marcos Cabotá, película de Found Footage ya que se reconstruyen los sucesos a través de vídeos encontrados en los móviles de los desaparecidos. La cinta respeta las reglas, que ya se están volviendo demasiado rígidas, de carreras, gritos, apariciones/desapariciones fuera de campo… En ese sentido cumple sin problemas. El otro acierto es utilizar a una serie de famosos, como son Alex González, Adrián Lastra y Esteban Piñero que tienen amistad en la vida real y son capaces de trasmitirlo en sus interacciones.

Pero las sombras llegan porque es una cinta irregular, con momentos interesantes que se mezclan con otros prescindibles y, sobre todo, cuando la cinta abandona la ciudad y se instala en una casa aislada cerca de una playa; a partir de aquí hay demasiados lugares comunes y la trama avanza a trompicones, de forma caprichosa.

Se ha criticado que siendo una cinta de Found Footage incluya música para acompañar los momentos de tensión; pero creo que es tiempo de que este género abandone el estancamiento en que ha caído e introduzca nuevos lenguajes. Al fin y al cabo, el cine no es sino un idioma en el que se buscan nuevos horizontes que explorar.

En 1994, El Día de la bestia no solo fue el espaldarazo para Alex De La Iglesia, sino que abrió de nuevo las puertas al fantaterror hispánico.

Documental dirigido a cuatro manos por Diego López y David Pizarro que cuenta el antes/durante/después del rodaje de la película El Día de La bestia.

Su camino es la nostalgia y ello se nota en el mimo que los realizadores ponen en las entrevistas, anécdotas y material gráfico. Entretenido y bien realizado, Herederos de la Bestia se ve con agrado pero deja una extraña sensación: Pizarro y López defienden, con acierto, que hasta el estreno de El Día de La bestia, el fantaterror hispánico era un genero maltratado que llevaba años agonizando y hubiera muerto en breve, pero hay que reconocer que no generó esa ola de copias, imitaciones, explotation u homenajes que debieran haber apuntalado el género en España.

Por ejemplo, Bad Taste de Peter Jackson abrió la caja de Pandora al cine de terror/gore en las antípodas de España.

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FANT 2017 (5 de 8)

Aislados en una casa de campo, atrapados en una relación de amor/odio/aburrimiento, Romeo y Desi (con)forman cualquier cosa excepto una pareja normal. Romeo, harto de los abusos físicos y psíquicos de Desi, contacta con una asociación en defensa de los maltratados. Allí conocerá a Catalina.

De la asociación entre el director Norberto Ramos del Val y el guionista Pablo Vázquez surgen mundos extraños, inesperados, bizarros, provocadores y diferentes, generalmente centrados en complicadas relaciones de pareja. El Cielo en el Infierno es una cinta que, al igual que su anterior trabajo, Amor Toxico, no deja indiferente a los espectadores. En este cine no hay medias tintas, el gris no existe, entras en el juego o tiras las cartas a la mesa, en una cinta con ecos a Jess Franco y Russ Meyer entre otros.

Historias densas, repletas de personajes contradictorios atrapados en modernos escenarios como moscas en una tela de araña, Heaven In Hell irrita, atrae e incómoda al mismo tiempo. En medio de una permanente ruptura con la cuarta pared, o con las paredes que hagan falta porque aquí no hay miedo a nada, Álvaro Lafora, Belen Riquelme y Mariú Barcena prestan sus interpretaciones y físicos a la última locura del dúo Ramos Del Val/Vázquez.

Eso sí, se hace necesaria una tercera colaboración para cerrar esta trilogía de parejas perversas y auto destructivas.

Adele se muda con su tía, quien sufre agorafobia y vive encerrada en una inmensa mansión victoriana; aunque al principio parece un trabajo fácil, cuidarla y cumplir todas sus órdenes escritas en papel, pronto surge el aburrimiento y el hastío. Este será el momento donde Beth hará su aparición.

La cinta de A.D. Calvo, al igual que Darling de Mickey Keating o The Innkeepers de Ti West, juega a la sugerencia y el suspense, a balancearse en la fina línea entre lo inquietante y lo aburrido.

Tras un primer tercio descriptivo en el que plantea la situación, Sweet Sweet Lonely Girl abusa de un ritmo moroso que exige demasiada implicación por parte del espectador. No ayuda mucho que la protagonista, Adele, no tenga sangre en las venas. Escasos apuntes interesantes y un final resultón es el resumen.

El siniestro investigador Herbert West se instala en el sótano de Dan, un compañero suyo en el hospital de Miskhatonic. Nadie lo sabe todavía, pero los experimentos de West son demasiado peligrosos.

Stuart Gordon se dio a conocer con esta cinta que adaptaba, muy libremente, un relato de H.P. Lovecraft. Gordon realiza un trabajo de primera en una cinta que, aunque los años han pasado factura a algunos efectos de maquillaje, sigue funcionando como un reloj y cuyo ritmo va acelerando hasta llegar a una orgía de sangre y muerte, tan bien orquestada que Peter Jackson debería haberla revisado antes de rodar el tercio final de Braindead.

Aunque Bruce Abbot es el protagonista, no deja de ser un galán de los ochenta con poco peso en pantalla y baja capacidad interpretativa, son la actriz Barbara Crampton, quien enseña sus pechos con generosidad durante gran parte del metraje, y  Jeffrey Combs, tan impresionante que se vio encasillado en este tipo de papeles, los que dominan la pantalla.

Gozosa revisión de una película modélica dentro del género.

 

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FANT 2017 (4 de 8)

La policía encuentra una serie de cintas con los actos de un posible asesino en serie. Puede que algunas de sus víctimas aun sigan con vida, empieza una carrera contrarreloj.

Mención de honor sección Panorama.

Nathan Ambrosioni es uno de mis héroes: ha dirigido Therapy con 16 años y ya lleva a su espalda un largo más, Hostile, rodado con 15 años. No sé cómo ha puesto en marcha el proyecto, pero aún con sus defectos hay que defender Therapy por diversas razones: mezcla el found footage con el Slasher, bebe directamente del ya agotado cine extremo francés, a pesar de su producción “casera” ofrece un producto más que digno y aseado…

Es cierto que tras unos primeros 45 minutos llenos de interés, la segunda parte de la película es ingenua, tramposa y avanza a trompicones; también es cierto que, a pesar de ser material encontrado, se pueden ver imágenes editadas con una canción y esto contradice la narración (¿Cómo/cuándo ha hecho la edición?).

Pero al mismo tiempo la cinta de Ambrosioni plantea muchas preguntas interesantes: ¿De alguna forma Therapy sería el paso del Found Footage 1.0 al 2.0? un joven que ha visto muchas películas de este estilo sabría sus puntos débiles e intentaría evitarlos; al contrario de todas esas cintas que bordean el aburrimiento y es solo al final cuando se desatan, Ambrosioni aprieta el acelerador desde el principio y pocas veces se detiene. ¿Se puede adaptar el lenguaje del videojuego sin que resulte impostado? Yo creo que sí, ya que las nuevas generaciones han crecido con dichos lenguajes y, como queda claro en Therapy, son capaces de integrarlos sin problema alguno.

Therapy tiene errores, sobre todo en su segunda mitad, pero también es el atisbo a un posible nuevo cine que llegará en muy poco años.

El videoblog de cine basura ha llegado a su fin, después de diez años en los que Miguel Ángel Aijón y Paco Fox han analizado las mejores/peores películas del mundo, las envidias y rencillas han llevado a la separación de la “pareja”, pero una brecha interdimensional les reunirá de nuevo.

Cine Basura: la película, deja claro lo bien que se lo han pasado durante el rodaje los técnicos, extras y protagonistas; aunque de vez en cuando aparece algún destello interesante a lo largo del metraje, el buen rollo no atraviesa la pantalla.

El espectador podrá entrar al juego o rechazar de pleno esta cinta burda y alocada que, a pesar de su corta duración, no consigue encontrar su estilo a lo largo del metraje. Parece un corto amateur hecho por amiguetes que solo hace gracia a los que han participado en él.

El director vasco de documentales Asier Abió se pone en contacto con Jacint, quien vive en la ciudad de Amporda, para hacer el seguimiento de su “productora” kutrefacto y su último proyecto, “Infección zombi”, en el que involucrará a muchos vecinos de su pueblo.

Sputnik es una pequeña joya. Su falta de pretensiones, su poso de realidad surreal y humor la convierten en un producto muy reivindicable. La epopeya de Jacint durante los rodajes de sus cortos, la preparación y ejecución de “Infección Zombi”, los testimonios de los protagonistas y familiares, todo es parte de un puzle que trasmite amor al cine, la locura de la creación.

Una cinta entrañable que despierta carcajadas y admiración, con una historia que recuerda a cuando Peter Jackson dirigió Bad Taste durante años, metiendo en su loco proyecto a cualquiera que le hiciera caso.

La principal reflexión que deja Sputnik, aparte de la admiración por Jacint y una sonrisa en los labios, es la existencia de muchas personas con el sueño de hacer películas; puede que muchas sean malas, otras mediocres y alguna buena, pero a fecha de hoy no existe una plataforma de venta y distribución de estos productos, aparte de los circuitos de festivales y el boca oreja, debido al poco (nulo) apoyo nacional al elemento audiovisual patrio en favor de las mayor.

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FANT 2017 (3 de 8)

Benjamina (de nombre artístico Mina) es uno de los cinco alumnos seleccionados por la mejor escuela de interpretación de Madrid. A causa de un imprevisto, Mina llegará tarde al principio del curso y otra aspirante ya ha tomado su puesto. Tras una dura prueba se convertirá en la sexta alumna, pero puede que alguno de sus compañeros no llegue vivo al final de curso.

Benja de la Rosa lleva a cabo una película sencilla, con un reducido plantel artístico y técnico, rodada con Iphone. El problema es que, cuando empieza el famoso curso, el interés de la Sexta Alumna se convierte en un concurso: adivinar en qué películas se ha basado el director/guionista para hacer avanzar su historia. Podríamos darle el beneficio de la duda, tal vez nos encontramos ante homenajes más que explícitos a Rosemary’s Baby de Roman Polanski o Suspiria de Dario Argento, por poner los ejemplos más evidentes, pero la historia se resiente de ello ya que se echa en falta cierta originalidad en el producto y lo fantástico entra en la historia como un elefante en una cacharrería.

Aún así, La Sexta Alumna se ve con agrado debido a la espontaneidad de algunos de sus protagonistas, su corta duración y a los dardos afilados e interesantes contra el mundo de la interpretación.

Un grupo de cineastas, sabiendo lo estancado que se encuentra el género del Found Footage, decide hacer una cinta que lo renueve: el 3D. Alquilan una vieja cabaña para dejarse la piel en el rodaje… literalmente.

La cinta de Steven DeGennaro parte de buenas intenciones al incluir el elemento Meta: durante el rodaje de la cinta se analizan las reglas del found footage y la dificultad/imposibilidad que los protagonistas lleven siempre la cámara en la mano, sobre todo a la altura del tercer acto donde la tensión es tal que lo más lógico sería tirar la cámara y salir corriendo. Su director cita Scream de Wes Craven y Kevin Williamson, como la película origen de Found Footage 3D.

El cielo está empedrado de buenas intenciones, cierto, y el propósito de Steven DeGennaro es  más que loable; incluso se permite algunos apuntes de lo que debe ser el Found Footage 2.0 al partir la pantalla en dos para dar más información al espectador sin romper las “reglas”. El resultado es simpático, tirando a discreto, aunque el uso del 3D, los estallidos de terror y violencia están muy conseguidos.

¡Pobre Winslow Leach! El sólo quiere que Swam, una leyenda musical desde hace décadas, le ayude a montar esa cantata que le hará ser inmortal. Pero el malvado Swam hará de su vida un infierno antes de encerrarle entre las paredes de El Paraíso, un edificio construido a su gloria.

La cinta dirigida y escrita por Brian de Palma es, a mi gusto, la mejor película del director. Mezcla sin tapujos la leyenda de Fausto con El Retrato de Dorian Gray de Oscar Wilde y la novela El Fantasma de la Opera de Gastón Leroux. Su propuesta rebosa dinamismo, pop, decadencia, modernidad, envuelta en las impresionantes canciones de Paul Williams, quien también se encarga de poner cara y gestos a Swam.

El pulso de Brian De Palma no tiembla un solo minuto en esta joya excéntrica que, cada vez, resulta más moderna y rompedora.

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Harald Kloser. The 13th Floor. The End Of The World.1999

The 13th Floor es una película alemana injustamente olvidada. Mundos paralelos, tal vez universos de bolsillo, mundos soñados, realidad virtual… La cuestión es que su historia es ciencia ficción pura y dura al estilo de Phillip K. Dick y poca gente se acuerda de ella hoy en día.

Mucho ha compuesto el alemán Harald Kloser desde entonces, pero creo que nunca ha sido tan “puro” como en este trabajo. Repleto de sonoridades, dinamismo, tal vez ha quedado un poco desfasada en sus momentos Techno, pero todo se perdona porque es un disco que me sigue gustando en cada escucha. Ha sido difícil elegir un tema, pero este The End Of The World tiene una energía que pocas veces he escuchado en trabajos posteriores de Kloser.

 

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FANT 2017 (2 de 8)

Bienvenidos a un bosque hermoso y siniestro a la vez, no en vano es el lugar favorito de mucha gente para suicidarse; Ricardo, un hombre maduro que sobrelleva una pesada carga, camina entre los árboles para acabar con su vida cuando encuentra a la joven Carolina. Ambos iniciaran un paseo entre los muertos que jalonan el lugar.

Mejor Película Sección Panorama.

Jose Pedro Lopes escribe y dirige la primera película llevada a cabo por la productora portuguesa anexo 28; la apuesta de Lopes es estética e intimista en su primer tercio, consigue que el espectador se interese por Ricardo y Carolina al mismo tiempo que la historia transita por caminos entre oníricos, poéticos y siniestros.

Pero es a partir del primer giro de la película, un giro bastante sorprendente, cuando A Floresta Das Almas Perdidas pierde gas por la inclusión de nuevos personajes que no interesan tanto, perdiendo el espíritu de los primeros 30 minutos. En su reflexión final, Lopes consigue retomar bríos con un cierre duro y escalofriante, pero alarga demasiado la historia, como si no supiera concluirla de forma adecuada.

Eso si, qué bonito es el póster.

En pocos minutos dará comienzo el 2016. Nico intenta levantarse a alguna chica para empezar el año con buen pie, la (mala) suerte le pondrá en el camino de Medea. La noche será larga para Nico…

Roberto San Sebastián, con un escaso decorado, tres actores y 20 días de rodaje ha sido capaz de llevar adelante una ópera prima extraña, irritante, caprichosa, esquizofrénica y sugerente. Con ecos del primer Alex De La Iglesia y reminiscencias de aquella rareza injustamente olvidada que es The Birthday de Eugenio Mirá, la Noche del Virgen acusa un metraje excesivo, un recorte de 30 minutos hubiera mejorado el producto final sustancialmente, interpretaciones histéricas, demasiado gusto por lo escatológico y unas salidas de tono con intenciones, supongo, trasgresoras.

En cambio, San Sebastián brilla en su uso de interiores, creación de atmósferas enfermizas, el elemento desagradable y ese aire a cine añejo ya desde sus títulos de crédito. A destacar Miriam Martín como Medea, capaz de pasar de cero a cien en un segundo y hacerlo creíble. Javier Bodalo cumple a ratos con su papel mientras Victor Amilibia se queda a medio camino.

Como opera prima, la Noche del Virgen es resultona, esperemos a ver dónde nos lleva Roberto San Sebastián en el futuro.

Bienvenidos al apocalípsis zombi. Una joven pareja atraviesa el desierto rumbo a un aeródromo privado. Tras un accidente y el encuentro con un zombi, la superviviente tiene dos días para atravesar el desierto. La tarea ya es dura de por sí, pero  tener la regla y ser perseguida por un zombi que nunca se agota complica aún más las cosas.

Las películas pequeñas, sin pretensiones de ningún tipo, siempre son agradables de ver. It Stains The Sands Red es exactamente eso: pequeña, sin pretensiones y agradable. Todo se basa en las fuertes presencias de Brittany Allen y Juan Riedinger como perseguida y perseguidor respectivamente.

El problema que encuentra la cinta a mitad de metraje es tomar un camino erróneo, lo que empieza como un survival con tono de zombedy, va girando hacia un viaje interior de la protagonista mientras el elemento dramático se adueña de la función.  Brittany Allen se maneja perfectamente en ambos registros, pero todos los aciertos de la película se encuentran en la primera parte, en la zombedy, mientras el final dramático resulta un peaje obligatorio pero innecesario.

Aun así, una buena película para esos ratos en los que no quieres pensar demasiado.

 

 

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FANT 2017 (1 de 8)

Es la última noche de Blue Jean en el club de Strippers que regenta, lo que deberían ser horas de tristes despedidas se convierte en una pesadilla cuando unos extraños sujetos comienzan a asesinar con brutalidad a los clientes y a “sus” chicas.

La película de producción canadiense dirigida por Sevé Schelenz, bebe a partes iguales de From Dusk Til Dawn de Robert Rodriguez, Ghost Of Mars de John Carpenter, Demons de Lamberto Bava y, ya que estamos, The Night Of The Creeps de Fred Dekker. Pero aunque no sea una maravilla, Peelers se deja ver, sobre todo en la presentación de personajes cuando utiliza la cámara con soltura para introducirnos en el universo del Club Stripper,

La  mayor pega que le pongo a esta película, a la que hay que defender por su única intención de entretener, es el uso de la sangre digital. Creo que a veces se debería evitar enseñar la sangre/gore si no tienes medios porque lo de Peelers es de traca.

Resumiendo: una película que entretiene sin dejar peso en la memoria, con un personaje femenino principal muy John Carpenter (buen casting de la actriz Wren Walker) y cuya mejor baza son los planos finales que recuerdan fuertemente a una película clásica de los años ochenta.

El pobre Bob se ha resignado a la maldición de una misteriosa enfermedad genética que le vuelve invisible, al tiempo que lleva una vida de mierda en un poblado maderero; pero cuando su hija, a la que no ve desde hace muchos años, comienza a actuar de forma extraña y a mostrar los mismos síntomas de su enfermedad, Bob saldrá de su encierro.

La primera vez que vi The Unseen, reconozco que pasé dormido media película, mucho calor en la sala y una historia que no me interesaba, aparte de sueño acumulado. Por ello, ya que el resto de los espectadores afirmaban que era una muy buena película, decidí volver a verla.

Y el resultado, esta vez despierto, tampoco me convenció: la cinta de Geoff Redknap acumula muchos acierto, es capaz de narrar una historia generacional que funciona sobre todo por la química paterno filial, al mismo tiempo que el  elemento fantástico está tan bien llevado que se integra con una normalidad ante la que hay que quitarse el sombrero; además de presentar a un hombre invisible que no es el malo de la película, algo bastante novedoso.

El problema con The Unseen lo encontramos en las historias secundarias, resultan demasiado caprichosas, repletas de elementos aleatorios que no me terminan de cuajar. El director trabaja en el campo del maquillaje y prostéticos, en este sentido la cinta es ejemplar porque sabe cuándo mostrar y lo que mostrar.

The Unseen sobre todo merece la pena por la química existente entre Aden Young y Camille Sullivan como padre e hija, cada vez que estos dos comparten pantalla y dialogan, la cinta sube muchos enteros.

Méjico, 1974. Altair y Manuel se han casado recientemente. Las grabaciones en 8mm que Manuel hace de sus vidas muestra que tienen por delante una vida que solo puede ofrecerles alegrías; pero todo se tuerce cuando Altair asegure soñar con Ángeles que le piden una misión: debe construir una puerta de ladrillos negros en su dormitorio y en el sótano.

Curiosa película mejicana de Found Footage que, como ya viene siendo necesario, introduce ciertas variaciones como un prologo televisivo y la utilización de música para apuntalar ciertos momentos terroríficos. A diferencia de otros FF que se toman demasiado tiempo presentando a los personajes para llegar al nudo, el director/guionista Víctor Dryere es capaz de mantener un ritmo equilibrado que pocas veces decae gracias a unos golpes de efecto que no resultan forzados sino naturales.

La utilización del “granulado” de las cintas de 8mm consigue una atmósfera rara, malsana, que ayuda a que 1974 (aka la Posesión de Altair), sin ser rompedora, resulte ser un Found Footage superior a muchos otros de su categoría que tienen más relevancia mediática.

 

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