Klaus Badelt. Entre Lobos. Learning. 2010

Klaus Badelt fue uno de los primeros “cachorros”, muy ad hoc hablando de esta película que trata de un niño salvaje criado entre lobos, de Hans Zimmer cuando este empezó a marcar el ritmo, literalmente, de las cintas de acción en los 90.

Alemán, como Zimmer, pronto arrancó una carrera que nunca llegó a despuntar debido a que los productores siempre le pedían clones de los trabajos que realizó bajo el paraguas de Remote Control, la primera compañía de Hans Zimmer para crear bandas sonoras como churros; casualmente, sus mejores trabajos fueron al margen de dicha compañía.

Con el tiempo, sabia elección, regresó a Europa y comenzó a ofrecer algunos de sus mejores trabajos, como este hermoso Among Wolves, cuyo tema central es lírico, nostálgico y pegadizo a partes iguales.

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Molins de Rei 2017 8

Lo que se prometía como un turno tranquilo en el trabajo se convierte en una pesadilla cuando un ataúd aparece en los almacenes. Los vigilantes nocturnos van a hacer horas extras y les basta con llegar vivos al día siguiente.

La cinta de Mitchell Altieri es una cinta barata, en ningún momento trata de ocultarlo, que apela al espíritu más gamberro del espectador. Al igual que en películas de este tipo, tras la presentación de los personajes/victimas, comienza la acción y cuanta más casquería y hemoglobina, mucho mejor.

No hay nada destacable en The Night Watchmen, tampoco creo que la intención fuera hacer una cinta rompedora, y en ese sentido es de agradecer la honestidad del producto. Algunos chistes funcionan mejor que otros, al igual que las interpretaciones y los enfrentamientos, pero se agradece que el enemigo no sean los zombis, ya que este revival empieza a cansar y hay más iconos del cine de terror.

Cinta para tardes con el cerebro en standby.

Los militares han cercado el pequeño pueblo con tres mil habitantes, se inicia el contrarreloj para combatir un patógeno que puede haberles infectado a todos. El riesgo es alto y se aplicaran todas las medidas necesarias.

La tercera película realizada y guionizada por George A. Romero, basada en una historia de Paul McCollough, está llena de rabia, inteligencia y dinamismo, con un enfoque cuasi documental. Este es un Romero que expone y “enseña” a través de la cinta, sin esas verbalizaciones innecesarias y pesadas de su cine posterior.

La dirección es torpe, Romero nunca ha sido un director brillante, y las interpretaciones son de aprobado raspado, pero The Crazies está repleta  de una crítica al sistema característica del cine de los años 70, y su mensaje continua tan fresco como en el momento de su estreno; la existencia de un gobierno torpe donde el brazo izquierdo no sabe lo que hace el derecho, un ejército más preocupado por lograr objetivos que proteger al débil, y la prepotencia respecto a la información, golpean al espectador con saña y rabia.

Una cinta a redescubrir debido a la vigencia que, sobre todo hoy en día, tiene su lectura política.

 

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Molins de Rei 2017 7

La cita es perfecta: una casa paradisiaca en medio del desierto, un hombre y una mujer repletos de sexualidad… Todo se irá al traste cuando los dos socios del hombre lleguen a la casa.

La ópera prima de Coralie Fargeat es, cuando menos, sorprendente. Tras un primer tercio que cimenta la trama y los cuatro personajes, pero que más bien parece publicidad de un resort, la cinta da un giro al más puro survival.

A partir de este momento, Fargeat juega con la suspensión de la incredulidad al plantear guiños al cine de acción de los años ochenta, sobre todo las cintas First Blood y Rambo: First Blood II, pero cambiando el sexo del protagonista.

Se agrade que la apuesta de Fargeat no discurra por el fácil discurso acerca de la lucha de géneros y se centre en el espectáculo puro y duro, en la violencia más descarnada y los ríos de sangre que recorren la pantalla.

Un bravo por la directora/guionista.

Rachel y Edward viven en una decadente casa señorial, atrapados en una longeva maldición familiar. Cada noche, cuando el reloj marca las doce, los seres que pueblan el sótano salen de caza.

Mejor Película.

The Lodgers de Brian O’Malley acumula a partes iguales aciertos y errores. Los aciertos vienen de su atmósfera oscura y claustrofóbica, una apuesta visual que es capaz de aunar el terror gótico con unos fantasmas a lo J-Horror y, sobre todo, el trabajo de Charlotte Vega, quien reina sobre la historia y la cinta.

Pero los aciertos no son capaces de anular completamente los errores ya que, al igual que ocurrió con la opera prima de O’Malley, Let Us Prey, la atmosfera no tapa los agujeros de un guion pobre; todo el metraje de The Lodgers que tiene lugar fuera de la casa no sirve para nada, los personajes secundarios no aportan a la trama y, por ello, el resultado final es irregular.

Es solo una tarde aburrida donde no ayudan el sexo, redes sociales, alcohol o drogas. Tal vez ese extraño juego llamado Game Of Death de un poco de interés a sus vidas… o acabe con ellas.

El dúo de directores canadienses Sebastien Landry y Laurence Morais-Lagace ofrecen con Game Of Death una película que empieza como una actualización de la novela Less than Zero de Bret Easton Ellis, ya que presenta un grupo de jóvenes atrapados por el aburrimiento existencial; poco después la historia cinta da un  giro y se convierte en una cinta de aires ochenteros que no se detiene en ningún momento.

Game Of Death es un simple entretenimiento que plantea con rapidez las normas, no se detiene en crear grandes personajes y da al espectador un slasher entretenido. En ese sentido, hay que aplaudir la labor de Landry y Morais-Lagace ya que saben conectar con el público al que va dirigida su cinta.

Y ya como nota personal: Game of Death es la versión buena de ese horror cinematográfico llamado Beyond The Gates de Jackson Stewart.

 

 

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James Horner. Star Trek III: The Search For Spock. The Katra Ritual. 1984

Aunque James Horner era un compositor muy capaz de hacer vibrar la fibra sensible del oyente con muchos de sus trabajos, en la continuación de su exitosa Star Trek II The Wrath Of Khan, tuvo que lidiar con la trasmutación de almas, algo novedoso en esta saga. Cierto es que ya se acercó al elemento espiritual en Brainstorm, pero su aproximación en la cinta de Douglas Trumbull fue más convencional.

The Katra Ritual, sin dejar de sonar a Horner, con esa huida musical hacia delante, me resulta el mejor tema de Star Trek III por el elemento circular y rupturista, por lo experimental de un sonido que, más tarde volvería probar en la soberbia Field Of Dreams al tratar el tema de esa vida después de la muerte en un campo de trigo.

 

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Molins de Rei 2017 6

Cuatro mujeres jóvenes van a pasar el fin de semana a la casa que tiene el tío de dos de ellas en una zona del Chile profundo. Lo que parecía un fin de semana idílico se convertirá en un infierno cuando dos hombres se presenten en la casa.

Sorprende la cinta de Lucio A. Rojas, no sólo por el impactante y desagradable prólogo, sino por ser capaz de llevar adelante un Home Invasion/Slasher/Paletos vs gente de la ciudad que apenas veces baja de intensidad a lo largo de su metraje.

Al igual que en A Serbian Film de Srdjan Spasojevic, Rojas utiliza una historia repleta de violencia y tensión para hablar de la crudeza y brutalidad del dictador Augusto Pinochet y como la sombra de este continua vigente, de los errores del pasado y del mal en general.

Trauma no es un espectáculo para todos los públicos, muchas de sus imágenes pueden causar rechazo pero, honestamente, se necesitan más películas como estas para denunciar los malos causados y recordar el horror a las nuevas generaciones.

Todo empieza cuando las imágenes de la televisión se interrumpen, lo que despierta en los padres el deseo irrefrenable de matar a sus hijos. Se acabaron los lazos familiares, empieza una lucha por la supervivencia.

Mejor Director: Brian Taylor.

Me he llevado una gran decepción con la cinta de Brian Taylor, porque tras un prólogo sencillo pero funcional y unos grandes títulos de crédito, Mom and Dad se convierte en una cinta muy irregular que se debate entre los aciertos y los errores.

Gran parte del problema se debe a la dirección de Brian Taylor, que no acaba de encontrar el camino, su cinta debería ser un non stop action y, sin embargo se ve continuamente interrumpida por flashbacks que rompen la narración y desequilibran el ritmo. La cinta, que en el fondo trata las diferencias generacionales y la paternidad como una carga, pierde el foco continuamente y de forma caprichosa.

Taylor establece las normas y, al mismo tiempo, se las salta cuando le interesa. Nicholas Cage está brillante, no vamos a negarlo, ya que convierte sus tics en señas de identidad para su personaje; Selma Blair funciona pero continua esperando su gran papel, esperamos que algún día le llegue.

Mom and Dad podría haber sido brillante, un espectáculo delirante, y se queda en una película entretenida y poco más.

En el día a día de un mundo tomado por infectados, la vida es difícil. Por ello, los supervivientes deben formar grupos.

La película del canadiense Robin Aubert, se enmarca dentro de la corriente humanista del genero zombi, las que narran el día después y los cambios que el apocalipsis ha provocado; uno de los mejores exponentes de esta vertiente es The Battery de Jeremy Gardner, con la que comparte ritmo pausado y mimo por los personajes.

El mayor valor de Les Affames son esos pequeños estallidos de humor que tienen lugar durante gran parte del metraje, algo que se agradece entre el tono solemne que Aubert imprime a la cinta; el otro punto a favor es la inclusión de pequeñas diferencias respecto a las películas normales de infectados, ya que en Les Affames estos muestran cierta inteligencia a la hora de emboscar a los supervivientes, lo que aporta interés y tensión a la trama.

Robin Aubert ofrece una película entretenida de zombis/infectados, pero se queda a medio camino de lograr una cinta perdurable de este género.

 

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Molins de Rei 2017 5

Corren nuevos tiempos para los asesinos en serie: la aparición de las redes sociales conlleva el rechazo a sus actos execrables pero, también, puede que tengan un club de fans que te pidan más asesinatos.

Premio del Publico Being Different.

Tragedy Girls es una cinta muy divertida que, sin dejar de lado el elemento High School que tanto juego da, reflexiona acerca de los peligros de la fama y las redes sociales. El acercamiento de Tyler McIntyre con ayuda al guion de Chris Lee Hill y Justin Olson, es capaz de aportar una visión distinta y refrescante del genero slasher, jugando con la superficialidad adolescente, el  metalenguaje y unos efectos especiales que funcionan a la perfección.

Tragedy Girls, aunque no deja un momento de respiro, se cimenta gracias a los trabajos de Brianna Hildebrand, resultona y pizpireta gracias a un peinado cool, y sobre todo por Alexandra Shipp, quien se come la pantalla gracias a su capacidad de aunar humor y drama sin despeinarse. Atención a su química con Craig Robinson, uno de los productores de la cinta, en la única escena que comparten.

Un gran descubrimiento y una cinta a tener en cuenta dentro del género slasher.

Kira Mabon es una joven hermosa que teme la vejez. Tras una cita con Jason, despierta en una casa desconocida, no tiene recuerdos de la semana anterior… Y su piel muestra un extraño deterioro.

Replace, del director Norbert Keil, es una cinta sencilla, sobre todo debido a su bajo presupuesto, y que parece el sueño tórrido de un adolescente por la cantidad de desnudos femeninos que aparecen en pantalla, la mayor parte sin venir a cuento.

Por lo demás nos encontramos una película con un discurso soterrado acerca de la belleza y la vejez, que arranca con demasiado rapidez en la parte del gore y tarda mucho en llegar al punto central de la historia, un giro de guión muy interesante pero que no explota adecuadamente y se quita de encima enseguida. Los nostálgicos volverán a encontrarse a Barbara Crampton en su segunda juventud cinematográfica gracias a una joven generación de realizadores.

Replace es un simple entretenimiento para ver un domingo por la tarde, que no deja poso en la memoria; una pena porque había elementos que podrían haberla hermanado con el primer David Cronemberg.

Holly vivió un suceso traumático en su niñez, algo que la acompaña en su día a día. La llegada de su mejor amiga y el gurú del culto al que esta pertenece despertaran algo peligroso en su interior…

La segunda cinta de Can Evrenol confirma las sensaciones que tuve con Baskin, puede ser un nombre importante dentro del género. Housewife tiene pocos elementos y, tras un prólogo repleto de potencia y estéticamente perfecto, Evrenol no tarda en introducir al espectador en un laberinto donde se mezclan la realidad y el mundo de los sueños de tal manera que es imposible saber en qué lado se encuentran los protagonistas y los espectadores.

Es mérito de Evrenol ser capaz de jugar con un mundo erótico repleto de imágenes alucinadas, una trama complicada y sencilla a la vez, mucho más sugestiva y onírica que el circo de tres pistas que Christopher Nolan montó en Inception. Como marca de la casa, el tercio final es un festival de gore y brutalidad que, además de culminar con un gran final, hermanan la historia con el universo de H.P. Lovecraft.

Una cinta muy recomendable que deja con ganar de más películas de Can Evrenol.

 

 

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Molins de Rei 2017 4

El virus sólo actúa durante ocho horas, en las que el infectado se libera de sus inhibiciones y es capaz de cometer todo tipo de brutalidades. Cuando los miembros de un prestigioso bufete de abogados se quedan encerrados en el interior de un edificio, es hora de saldar cuentas.

La cinta de Joe Lynch recuerda mucho, demasiado tal vez, a la película The Belko Experiment del duo Greg Mclean/James Gunn, pero donde Belko reflexiona acerca del carácter humano y la violencia, Mayhem juega con los roles dentro de un bufete de abogados, las trampas legales, las zancadillas personales.

Mayhem es un survival divertido e histérico teñido de mucho humor negro, donde las peleas y los intercambios verbales hacen avanzar la trama. Se podría criticar a la cinta por no haber incidido en la critica a un sistema laboral, donde se premia más el resultado que a la persona, pero resultaría injusto ya que Mayhem apuesta por el entretenimiento y el espectáculo.

Atención a la química entre Steven Yeun y Samara Weaving, un rostro que descubrí en la muy entretenidaThe Babysitter de McG.

Las tranquilas vacaciones de una familia se convierten en un infierno cuando dos jóvenes llamen a la puerta de su casa.

Funny Games era una cinta a la que tenía demasiado respeto para acercarme, la fama de dura que tenía me echaba un poco para atrás, pero la curiosidad y poder verla en pantalla grande me pudieron.

El resultado me capturó enseguida gracias a la sobriedad en la puesta de escena, esa extraña ruptura con la cuarta pared y la frialdad con que Haneke expone las torturas físicas y psíquicas.

El trabajo actoral ayuda mucho a las intenciones de Michael Haneke, gracias sobre todo a la tensión que generan los jóvenes Arno Frisch y Frank Giering, tan educados como mortales, que salta de la pantalla y empapa al espectador, quien no sabe qué ocurrirá a continuación.

Una cinta muy recomendable, aún repleta de frescura a pesar de ser del año 1997.

La extraña casa se levanta en medio de la montaña, en su interior moran el padre, la hija y un perro que puede hablar. Pero la llegada de unos extraños, y la aparición de un objeto metálico en el bosque, indican que el peligro se acerca.

Hay dos formas de acercarse a la opera prima de Sadrach González-Perellón: una es quedarse en la superficie y en la forma, donde el director ha querido jugar a la intensidad y quiere dejar tan clara su personalidad que puede irritar al espectador y conseguir que este rechace la propuesta.

La otra forma es ignorar las malas interpretaciones de los personajes masculinos, los planos largos de los que abusa el director, y centrarse en los muchos logros de Black Hollow Cage: una historia complicada que, sin embargo, es sencilla; como mantiene la tensión con un puñado de personajes y, sobre todos, la naturalidad con que están integrados los elementos de ciencia ficción.

Tengo curiosidad por ver hacia dónde irá Sadrach González-Perellón, qué podrá más: ¿la excesiva personalidad del director/guionista o el gusto por contar historias que atrapen?

 

 

 

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